合唱の声、ドイツの声、イタリアの声、ラテン語の声

　声楽のレッスンに行ってきました。

　まずは発声練習。とにかく「美しい声」と「正しい音程」をキープし続けること。（言葉の）発音よりも（美しい）発声を優先すること。特に高音になったら、言葉が曖昧になっても良いから、すべての音を「ア」で歌う気持ちで臨むべし。いや、気持ちだけでなく、実際に「ア」で歌っても良しです。

　実際、たいていのオペラ歌手は高音を歌う時は、言葉をある程度犠牲にしても、口を縦開きにして「ア」で歌うものです。声楽、とりわけイタリアオペラ系では、まずは発声（美声）、次は音程。この二つを死守しないといけません。この二つを死守するために、他の要素は、場合によっては、捨てる覚悟も必要ってわけだし、実際に捨てちゃう事もしばしばなんだそうです。

　でも、これはクラシカルな歌全般に通じる発想でもテクニックでもないので、要注意とも言われました。

　例えば、合唱。合唱もクラシック系の歌ですが、発声に関する優先順位は独唱とは違い、合唱の場合、まず大切にするものが（言葉の）発音であり、次が音程。この二つを死守しないといけないのです。とにかく、言葉を明瞭に発声する事。正しい音程できれいにハモること。これが合唱の要であり、そのためには、声の美しさや響きを犠牲にする事も厭わないわけです。

　無論、合唱でも美しい声で歌う方が良いのだけれど、声の美しさを求めて、言葉が不明瞭になっては本末転倒ってわけです。そういう観点で考えると、合唱ではもちろん“歌う”のだけれど、歌いながら“語る”という意識か大切なのかもしれない。

　少なくとも、声楽でいう意味での“歌”は、合唱では重んじられないわけです。

　「すとんさんが合唱に行ってもいい顔されないのは、すぐに“歌う”から。“声”を出したがるから。“歌う前に、声を出す前に、やる事があるだろ？”って思われるんだよ」…図星をつかれました（汗笑）。

　歌唱の中で“語る”と言う側面に留意し続けるという点では、声楽の世界では、ドイツリートがまさにそう。リートはきちんと“言葉”を、そして“世界”を伝えないといけませんからね。だからでしょうか、ドイツリートはあまり高音がなく（高音になると言葉を捨てざるを得ないわけで、高音と言葉の両立を目指す曲は“難曲”という事になるのでしょうね）、むしろ言葉重視で歌っていくわけです。その点は、同じ声楽と言っても、オペラ中心のイタリア系の声楽とは、ちょっとばかり違うのかもしれません。

　と言うわけで、最初に戻りますが、イタリア系の歌は、言葉よりも声中心に行くわけです。しかし、イタリア系の声と言っても、世俗の歌と教会の歌の二種類の音楽があるわけです。この二つ、根っこは同じだけれど、歌う場所（劇場と教会）が違うので、似ている部分もあるけれど、おのずと違ってくる部分もあります。

　まず、使用する言語が違います。世俗音楽はイタリア語で歌いますが、教会音楽はラテン語で歌うわけです。そして、ラテン語の曲は教会のミサでで歌われる事が多いのです。

　ヨーロッパの教会…石造りで天井がいやに高くて、響きすぎるほど響き渡る場所です。そんなところで、響きのよく乗った声で歌うと…うわんうわんになってしまいます。そのせいでしょうか、教会音楽を歌う歌手の声は、割と細めで倍音も少なめで直進性の強い声のような気がします。おそらく、人のカラダから出る声はそんなもので良いのでしょう。響きなどは教会という場が付けてくれます。人の声に教会という建物が色付けをしてくれて、それが至福の音色になるわけです。

　一方、世俗の音楽は、劇場にせよ、レストランやバーにせよ、どこもそんなに響きが良いわけではありません。歌手みずからが、自分の声にたっぷりと倍音を乗せて、響きを豊かに歌わないと、美しい声にはなりません。だから、イタリア語の歌は…美声をひけらかす？　って方向になりやすいのでしょう。ま、あれもこれも、とにかく、声を十分に響かせて歌うわけからなのですが…。

　…やっぱり、私はイタリア語の世俗曲しか、歌えないな（爆）。声をひけらかしたいもん（笑）。

　さて、話はレッスンに戻します。コンコーネは16番。ポジションキープが肝でした。どうも私は“ポジションキープ”と言うのが苦手で、高い音程の時は細めの声で、低い音程の時は太めの声で歌ってしまいがちです。つまり、音程で音色が激変するって奴ですが、それは少なくともクラシック的な歌い方ではありません。

　私はテノールなんだから、あんまり太い声はいらないわけで、いつでもどんな音程でも、軽めの細めの声で歌わないといけないわけです。それを、細めの声で歌ったり、太めの声で歌ったりするから、あまりよくないのです。

　特に太めの重い声で歌うと、音程が下り気味になります。これはこの重い声が、本来の私の声ではないから、そのために音程コントロールが甘くなるのだと思います。

　高音対策のためにも、そしてバッチリと正しい音程で歌っていくためにも、声は軽く軽く発声していかないといけません。それをメロディが低いからと言って、重めの太い声で歌うから、メロディが下がるにつれポジションも下がっていって、色々とダメになるわけだ。

　とにかく、下降メロディは危険です、ある意味、罠のようなものです。先生からは、三度以上音程が下がる時は、ポジションに気をつける事。とにかく、軽い声でポジションをキープする事ばかりを考えていれば良し…と言われました。うむ、ここがポイントですね。

　ちなみに16番は、たいていの人にとっては簡単な曲なんだそうですが、私のようにポジションキープができない人には、とても難しい曲となるそうです。はい、とても難しいですよ（涙）。

　今回のレッスンの最後は、二重唱の合わせでした。注意された事は『歌に余裕を持とう』と言う事。具体的に言えば、間（ま）を大切にしましょうって事ネ。急がず、慌てずに歌うこと。この二重唱のシーンは、別に言い争いをしているわけではないのだから。しっかりと間合いを取らないとね。休符はたっぷりと休んで、合いの手で入るピアノの響きをきちんと聞いて歌う事が大切です。

　二重唱でも、声が重いと注意されました。もっと軽く歌う事です。特に、時代様式を考えた場合、ドニゼッティのオペラには、そんな重い声はいらないって事です。それに、声が重いから、音程が上に上がりきらなくて、ブラ下り気味になってしまうわけです。はい、その点については、自覚あります。

　コンコーネもそうだけれと、声が重くなってしまうと、ポジションが下り気味になります。ああ、それを避けるためにも、意識的に声を軽く軽くしていく事が大切なんだよなあ～。

　軽い声で歌えないと、先々で必ず壁にぶち当たるので、今から軽く歌えるようにしなければ！

　この声の軽さ/重さですが、頭声とか胸声とか言う言葉で考えるなら、私の場合、まだまだ胸声が多いって事だね。もっと頭声を鍛えないと。

　いよいよピアノ合わせは来月となりました。二重唱に関しては、もうレッスンがありません（残りのレッスンではアリアを徹底的にみてもらうつもり）ので、今日の注意をしっかり胸に刻んで、ピアノ合わせに臨まないと。

　ピアノ合わせで大切な事は色々ありますが、まずは、ピアニストさんにしっかりと伝えるべき事が伝えられるように、自分の中で整理してまとめておく事です。どんなテンポで歌いたいのか、どこでどの程度のルバートをかけるか。助けてほしいところはどこか、そして何より、どんな風に歌いたいのか、きちんと自分でピアニストさんに伝えないとね。

　いよいよ発表会に向けてのカウントダウンが始まったような気がします。